siglo 17 fue el comienzo del camino de transición de la Edad Media a los tiempos modernos. El comienzo de un nuevo período en la historia rusa fue también una nueva etapa en la historia de la cultura rusa. En el siglo 17 La cultura rusa ha conservado todos los rasgos característicos de la cultura feudal de la Edad Media, pero también están surgiendo nuevos elementos.

Comienza la formación de la nación rusa. generalizado tradiciones populares se fortalece la interconexión de las costumbres locales. Gradualmente, se produce la interpenetración de varios dialectos, se está formando un solo idioma ruso.

Este en su estructura, el estado comienza a luchar por el acercamiento con Occidente. El arte se vuelve más secular, optimista, pintoresco. El nuevo estilo arquitectónico se llama "Patrón maravilloso"; Los artesanos rusos e italianos están ampliando la construcción de palacios, iglesias de carpas, edificios monumentales estatales y seculares, estructuras de piedra de los municipios. Las estructuras arquitectónicas más famosas de esta época fueron: el Palacio Terem del Kremlin de Moscú, la Iglesia de la Natividad de la Virgen en Putanki, la Iglesia de la Trinidad en Nikitinki, la iglesia de veintidós cúpulas en Kizhi.

La arquitectura secular y eclesiástica se enriquecen mutuamente. Un factor importante en el comienzo de la crisis de la Edad Media fue la división de la iglesia. La necesidad de revisar todos los ritos de la iglesia y ponerlos en línea con la práctica litúrgica griega fue causada por el deseo de simplificar la práctica ritual de la Iglesia rusa frente al crecimiento del librepensamiento religioso y el declive de la autoridad del clero. Se suponía que el acercamiento a la Iglesia griega elevaría el prestigio del estado ruso en el Oriente ortodoxo.

siglo 18 caracterizado en la Rus por el feudalismo tardío. Se están haciendo intentos para superar la brecha entre Rusia y los países Europa Oriental Se están produciendo cambios significativos en todos los ámbitos de la vida. Su comienzo está asociado con las reformas de Pedro I. En Rusia, se está estableciendo un poder autocrático, una monarquía absoluta.

En el siglo XVIII. Los lazos económicos y culturales externos de Rusia con los países occidentales se están desarrollando. En la segunda mitad del siglo XVIII. en las profundidades de la economía feudal, se está formando una estructura capitalista A fines del siglo XVIII. se está completando el proceso de plegamiento de la nación rusa sobre la base del pueblo ruso ya establecido con un alto nivel de cultura y un sentido de unidad nacional

Aparecen nuevas esferas de la cultura: ciencia, ficción, pintura profana, teatro público... Ha aumentado el interés por la persona humana, ha aumentado el deseo de realismo en todas las formas de arte.

siglo 18 Fue una época de florecimiento amplio y completo de la cultura artística rusa, debido a las transformaciones socioeconómicas radicales de Peter l. Las formas seculares comienzan a desarrollarse rápidamente, muchos tipos de arte, en particular la pintura, la arquitectura, la escultura, las artes aplicadas y el grabado. Rusia comenzó a atraer intensamente la experiencia más rica de las tradiciones culturales europeas. El nuevo arte ruso pronto alcanzó la madurez profesional. Esto se manifestó en el proceso de construcción de la capital de Rusia: San Petersburgo y varias otras ciudades con sus numerosos palacios, edificios públicos y estructuras. La construcción supuso el desarrollo de la plástica decorativa, la pintura, la escultura redonda y el relieve, que combinados entre sí, dieron una singular belleza a muchos conjuntos arquitectónicos de la primera mitad del siglo XVIII. el papel de una persona como individuo en la sociedad es cada vez mayor. Se daba preferencia al talento de una persona, y no a su título o generosidad. El nuevo estado necesitaba gente enérgica, emprendedora y hábil. Fue en tiempos de Pedro el Grande cuando surgió la idea de crear la Academia de las Artes. Rusia ya no podía prescindir de pintores y grabadores experimentados. Invitando a extranjeros, Peter también se ocupó de la nutrición de los artistas rusos. Con este fin, los jubilados se practicaron ampliamente: enviar personas al extranjero para mejorar su profesión en especialidades creativas. Los artistas y arquitectos talentosos enviados al extranjero para jubilarse incluyen a I.N. Nikitin A.M. Matveev, I. K. Korobov y otros.

Después de la instalación de una imprenta por parte de Ivan Fedorov, aumentó el número de libros publicados. En 1703 comenzaron a aparecer periódicos y revistas. La Academia de Ciencias se estableció en 1725 para resolver problemas de investigación, educativos e ideológicos. Las actividades de la Academia se extendieron a todas las áreas del conocimiento científico.

Los científicos rusos hacen descubrimientos en botánica, los biólogos en geografía, mineralogía y etnografía. El pináculo de la ciencia rusa de esta época fue la actividad del científico-enciclopedista, pensador y poeta M.V. Lomonosov. Fue el iniciador de la creación de un nuevo centro de cultura y ciencia: la Universidad de Moscú.

En la era de Pedro comienza a celebrarse Año Nuevo con un árbol de Navidad decorado, se abre un teatro público. Ha habido un cambio de puntos de vista en el campo moral. Comenzaron a valorarse no sólo las virtudes cristianas, la antigüedad de la familia y la riqueza, sino también las seculares, como la inteligencia, el valor y la actividad. La construcción de edificios seculares, industriales y científicos está en marcha.

El arte se está alejando cada vez más de la iglesia. Los temas de las tramas son retratos, escenas de batalla, relaciones entre personas. Se desarrollan la pintura, el grabado, las artes y oficios, la escultura, la arquitectura y el arte de la joyería. Tendencias definitorias: barroco, rococó, clasicismo, a menudo una mezcla de estilos dentro de una sola obra (especialmente en arquitectura y artes y oficios): eclecticismo. Las transformaciones de Pedro I también destruyeron la antigua forma de vida patriarcal, instaurando una forma de vida secular. Hay nuevas formas de muebles, platos de vidrio y cristal, artículos de porcelana.

En la era petrina se concedía especial importancia a la educación y la ciencia. Para los nobles, la educación se vuelve obligatoria.En 1699, se abrió la escuela de Pushkar. En 1701 se inició la formación en la escuela médico-quirúrgica y matemático-navegativa. En 1717, apareció una escuela de traductores, escuelas de ingeniería y navegación. En las fábricas de los Urales se están abriendo escuelas de minería.

Todo lo progresista y lo nuevo se aceptaba a menudo con entusiasmo e interés. La cultura ha adquirido muchas novedades que han tenido continuidad en épocas posteriores. El desarrollo de las tradiciones nacionales rusas en todo tipo de arte continuó. Al mismo tiempo, el fortalecimiento de los lazos con países extranjeros contribuyó a la penetración de la influencia occidental en la cultura rusa. El fortalecimiento del poder del estado ruso, que se convirtió en uno de los estados más grandes del mundo, contribuyó a la formación de la nación rusa y del idioma ruso único, que se convirtió en la mayor riqueza cultural del pueblo ruso. se desarrollaron: educación, imprenta, literatura, arquitectura, bellas artes. Hubo una secularización de la cultura, la penetración de las ideas de la Ilustración en Rusia. Esto contribuyó al surgimiento de nuevos tipos de cultura: las primeras revistas literarias, ficción, teatro público de música secular. Hay una formación del clasicismo ruso. La esfera de la actividad espiritual de las personas se ha ampliado significativamente.

El desarrollo de la cultura rusa en el siglo XVIII. preparó el brillante florecimiento de la cultura rusa en el siglo XIX, que se convirtió en parte integral parte integral cultura mundial.

El siglo XVII es uno de los períodos más difíciles y controvertidos de la historia medieval rusa. No es de extrañar que se llamara "rebelde": explotó con disturbios de "Cobre" y "Sal". El descontento popular dio lugar a levantamientos encabezados por Ivan Bolotnikov y Stepan Razin. También es una época de grandes cambios en la iglesia rusa. Las reformas del patriarca Nikon condujeron primero a una controversia teológica y luego a un cisma en la iglesia, que sacudió la vida espiritual de la sociedad rusa antigua tardía.

Al mismo tiempo, en relación con los cambios en la esfera económica, con la publicación de manufacturas, se está produciendo un cierto acercamiento con Europa occidental, una ruptura decisiva de la cosmovisión social tradicional. Ansia por la ciencia, interés por la literatura por temas reales, el crecimiento del periodismo secular, la violación de los cánones iconográficos en la pintura, la convergencia de la arquitectura cultual y civil, el amor por la decoración, por la policromía en la arquitectura, y en todas las bellas artes, todo esto indica un rápido proceso de secularización de la cultura del siglo XVII. En la lucha entre lo viejo y lo nuevo, en las contradicciones, nace el arte del nuevo tiempo. El siglo XVII termina la historia del arte ruso antiguo y también abre el camino para una nueva cultura secular.

La construcción activa comienza inmediatamente después de la expulsión de los intervencionistas, a partir de la década de 1920. Se pueden rastrear tres etapas en la arquitectura de este siglo: en el primer cuarto del siglo XVII. o incluso en los primeros 30 años todavía tiene una fuerte conexión con las tradiciones del siglo XVI; mediados de siglo - años 40-80 - la búsqueda de un nuevo estilo que correspondiera al espíritu de la época y su apogeo; el final del siglo: una desviación de las técnicas antiguas y la aprobación de otras nuevas, lo que indica el nacimiento de la arquitectura del llamado nuevo tiempo.

Los edificios de las iglesias de principios de siglo difieren poco de los templos del siglo XVI. Así, la Iglesia de la Intercesión en el pueblo real de Rubtsovo (1619-1625), erigida en honor a la liberación de Moscú de los polacos, el fin de los "problemas", es una iglesia sin columnas cubierta con una bóveda cerrada, en su apariencia interna y externa cercana a las iglesias de la época de Godunov. El edificio se encuentra en el sótano, rodeado por una galería de dos niveles, tiene dos pasillos, tres niveles de kokoshniks van desde el volumen principal hasta la pequeña cúpula. La construcción de la carpa continúa. Se está construyendo una iglesia en Medvedkovo (la finca del Príncipe D. Pozharsky, 1623, ahora Moscú), la iglesia "Maravillosa" en Uglich. La carpa también se elevó sobre la Torre Spassky del Kremlin cuando, en 1628, se comenzaron a restaurar sus muros y torres, que habían sido dañados durante la intervención (otras torres se completaron solo 60 años después). En la década de 1930, se construyó el edificio secular más grande en el territorio del Kremlin de Moscú, el Palacio Terem (1635-1636, arquitectos Bazhen Ogurtsov, Antip Konstantinov, Trefil Sharutin y Larion Ushakov; luego fue remodelado varias veces). El palacio fue construido en el sótano del siglo XVI, tiene una emboscada superior, un "ático"-teremok y un techo a cuatro aguas dorado. El Palacio Terem, creado para los niños reales, con todos sus locales residenciales y de servicios de "varios volúmenes", la decoración multicolor (el adorno de "hierba" del exterior tallado en piedra blanca y la pintura más rica de Simon Ushakov en el interior) parecían mansiones de madera.

En los años 40 se perfila un típico para el siglo XVII. estilo - con una agrupación pintoresca y asimétrica de masas. Las formas arquitectónicas se vuelven más complejas, la estructura del edificio es difícil de leer a través de la decoración que cubre toda la pared, la mayoría de las veces policromada. La arquitectura de techo de carpa, el verticalismo de su volumen integral, pierde gradualmente su significado, porque aparecen iglesias en las que hay dos, tres, a veces cinco carpas de la misma altura, como en la Iglesia de la Natividad de la Virgen en Putinki en Moscú (1649-1652): tres tiendas del volumen principal, una sobre el pasillo y otra sobre el campanario. Además, las carpas ahora son sordas, puramente decorativas. De ahora en adelante, en las cartas patriarcales para la construcción de la iglesia, aparece cada vez con más frecuencia la frase: "Y para que la parte superior de esa iglesia no estuviera enchapada". Sin embargo, como ya se mencionó, las tiendas de campaña siguieron siendo una de las formas favoritas y en las ciudades se conservaron principalmente en campanarios, pórticos, puertas, y en las zonas rurales se construyeron iglesias de tiendas de campaña en los siglos XVII e incluso XVIII. También observamos que en la Catedral de la Resurrección del Monasterio de la Nueva Jerusalén en Istra, cerca de Moscú, construida en los años 50 y 60 por el patriarca Nikon, que parece repetir el templo de Jerusalén, el volumen occidental del edificio (rotonda) termina con una carpa . Se extiende un cierto tipo de templo, sin pilares, generalmente de cinco cúpulas, con tambores laterales decorativos (solo el central está iluminado), con una asimetría acentuada de la composición general debido a las capillas laterales de diferente escala, un refectorio, pórticos y un campanario a cuatro aguas. Un ejemplo es la Iglesia de la Trinidad en Nikitniki (1631-1634, otra fecha 1628-1653), construida por el comerciante más rico de Moscú Nikitnikov y que recuerda la construcción de una mansión con sus formas caprichosas y decoración multicolor (ladrillo rojo, talla de piedra blanca, verde cúpulas de azulejos, azulejos). La riqueza de la decoración arquitectónica es especialmente característica de Yaroslavl. Fundada en el siglo XI. Yaroslav el Sabio, esta ciudad experimentó algo así como una "edad de oro" en el arte en el siglo XVII. El incendio de 1658, que destruyó unas tres docenas de iglesias, tres monasterios y más de mil casas, provocó una intensa construcción en la segunda mitad del siglo. Aquí se están construyendo grandes iglesias de cinco cúpulas, rodeadas de pórticos, pasillos, pasillos y pórticos, con un campanario a cuatro aguas obligatorio, a veces tiendas de campaña y pasillos (por ejemplo, la Iglesia de Elijah the Prophet, construida a expensas de los comerciantes Skripin , 1647–1650), siempre en perfecta armonía con el paisaje (la iglesia de San Juan Crisóstomo en Korovniki, 1649–1654, se hicieron algunas adiciones en los años 80, su campanario a cuatro aguas tiene 38 m de altura, con decoración decorativa multicolor de azulejos vidriados; Iglesia de Juan el Bautista en Tolchkovo, 1671–1687, cuyo volumen principal de cinco cúpulas se complementa con 10 capítulos y dos pasillos, todo esto en conjunto forma una silueta espectacular de 15 cúpulas). Los jerarcas de la iglesia no permanecen indiferentes ante la riqueza decorativa de la arquitectura de entonces. El metropolitano Iona Sysoevich está construyendo su residencia en Rostov el Grande a orillas del lago Nero (cámaras metropolitanas y la iglesia de la casa), generalmente llamada Rostov Kremlin (años 70-80 del siglo XVII), a gran escala. El esplendor de las torres, galerías, pórticos, puertas no es inferior al esplendor de los edificios de la iglesia actual, y la arquitectura religiosa y civil, por así decirlo, compiten en la fiesta de la imagen. ¿Y de qué otra manera, sino la victoria del comienzo secular, se puede llamar a la arquitectura de la Torre de la Puerta del Complejo Metropolitano Krutitsy en Moscú (1681-1693, otra fecha es 1694), cuya fachada completa está decorada con múltiples ¿azulejos de colores? Fue construido por O. Startsev y L. Kovalev.

En las últimas décadas, o incluso en los años 90 del siglo XVII, apareció un nuevo estilo en la arquitectura rusa, una nueva dirección, que condicionalmente se llama "Moscú" o "Naryshkin Barroco", aparentemente porque la mayoría de los templos de este estilo eran construido en Moscú por orden de los nobles boyardos Naryshkin, en su mayoría el hermano de la reina, Lev Kirillovich. Centricidad y escalonamiento, simetría y equilibrio de masas, conocidos por separado y antes, se desarrollaron en este estilo en un cierto sistema, bastante original, pero, dados los detalles del orden aplicado, cercano (en el diseño externo) al estilo barroco europeo. En cualquier caso, este es el nombre que se asignó a la arquitectura de esta dirección (aunque no es Moscú, porque se extendió fuera de Moscú, y no Naryshkin, esto es aún más estrecho). Algunos investigadores, como B. R. Vipper, consideran ilegítimo utilizar el término “barroco” en general, porque éste “no es un punto de inflexión en la cosmovisión, sino un cambio de gustos, no la aparición de nuevos principios, sino el enriquecimiento de técnicas.” La arquitectura del "barroco de Naryshkin" es solo "un intermediario entre las ideas artísticas antiguas y las nuevas", una especie de "heraldo del comienzo romántico en el nuevo arte ruso". Pero al mismo tiempo, es bastante obvio que le faltaba coraje, radicalismo, innovación genuina "para ser llamada un estilo (ver sobre esto: Vipper B.R. Russian Baroque Architecture. M., 1978. S. 17-18, 38–39 ). Ejemplos típicos del "barroco de Naryshkin" son las iglesias en las propiedades de la nobleza cerca de Moscú. Se trata de edificios escalonados (octages o cuadrángulos octogonales, conocidos desde hace mucho tiempo) en el sótano, con galerías. El último octágono frente al tambor principal se usa como campanario, de ahí el nombre de este tipo de iglesias "iglesias bajo las campanas". Aquí, en una forma modificada, la arquitectura de madera rusa se hizo sentir en toda su medida con su centralidad y piramidalidad pronunciadas, con un equilibrio tranquilo de masas y un ajuste orgánico en el paisaje circundante. El ejemplo más llamativo del “barroco de Moscú” es la Iglesia de la Intercesión en Fili (1693-1695), la iglesia de la propiedad de L.K. Naryshkin ("un cuento de hadas de encaje ligero", según I.E. Grabar), el verticalismo de la elegante silueta calada que encuentra analogías en las patillas a cuatro aguas y en forma de columna. Columnas perfiladas de piedra blanca en los cantos de las aristas, enmarcados de ventanas y puertas acentúan esta aspiración de todo el volumen arquitectónico hacia arriba. No menos hermosas son las iglesias de Trinity-Lykovo (1698-1704) y Ubory (1693-1697), ambas creaciones del arquitecto Yakov Bukhvostov. La regularidad de la construcción, el uso de un orden piso por piso, la concentración de elementos decorativos en el marco de las aberturas y en las cornisas hacen que estas estructuras estén relacionadas. En la Iglesia del Signo en el patrimonio de B. Golitsyn Dubrovitsy (1690-1704), según el plan, parece estar cerca de la Iglesia de la Intercesión en Fili, una desviación de los principios de la arquitectura y el acercamiento de la antigua Rusia. con edificios barrocos europeos está previsto.

La arquitectura del siglo XVII se caracteriza por su escala geográfica: la construcción activa se lleva a cabo en Moscú y sus alrededores, en Yaroslavl, Tver, Pskov, Ryazan, Kostroma, Vologda, Kargopol, etc.

El proceso de secularización de la cultura rusa se manifiesta especialmente claramente en este momento en la arquitectura civil. Las características de regularidad y simetría se pueden rastrear en las cámaras de VV Golitsyn en Moscú en Okhotny Ryad, en la casa del boyardo Troyekurov con su magnífica decoración al aire libre. Se estaban construyendo muchos edificios públicos: los patios de la Imprenta (1679) y la Casa de la Moneda (1696), el edificio de las Órdenes (farmacia en la Plaza Roja, años 90). La Puerta Sretensky de la Ciudad de Tierra, utilizada como edificio para la guarnición, y bajo Peter se convirtió en una escuela matemática y de "navegación" y más conocida como la Torre Sukharev (1692-1701, arquitecto Mikhail Choglokov). Por lo tanto, en la pronunciada arquitectura nacional del siglo XVII, con su pintoresca asimetría, policromía de rica decoración, alegría e inagotable fantasía popular, se fortalecen las características de regularidad, algunas técnicas de la arquitectura de Europa occidental, el uso de detalles de orden, elementos que se desarrollará en los siglos siguientes.

Quizás, en ninguna otra forma de arte, como en la pintura, se reflejaron con tanta claridad todas las contradicciones del convulso siglo XVII. Fue en la pintura donde el proceso de secularización del arte fue especialmente activo.

Vuelta de los siglos XVI-XVII. marcado en las artes visuales por la presencia de dos direcciones artísticas diferentes. La primera es la llamada escuela Godunov, llamada así porque la mayoría de las obras fueron encargadas por Boris Godunov. Los artistas de esta tendencia se esforzaron por seguir las imágenes monumentales de Rublev y Dionisio, pero, de hecho, era arcaica y ecléctica. La segunda es la "escuela Stroganov", nombrada así condicionalmente porque algunos íconos fueron encargados por personas eminentes de los Stroganov. No solo pertenecían a él los pintores de iconos de Solvychegoda de Stroganov, sino también los maestros moscovitas, zaristas y patriarcales. Los mejores de ellos son Procopius Chirin, Nikita, Nazariy, Fyodor e Istoma Savina, etc. El ícono de Stroganov es de tamaño pequeño, no es tanto una imagen de oración como una miniatura preciosa, diseñada para un conocedor del arte (no es para nada que ya esté firmado, no anónimo). Se caracteriza por la escritura minuciosa y cuidada, la sofisticación del dibujo, la riqueza de la ornamentación, la abundancia de oro y plata. Una obra típica de la "escuela Stroganov" es el ícono de Prokopy Chirin "Nikita the Warrior" (1593, Galería Estatal Tretyakov). Su figura es frágil, desprovista de la masculinidad de los guerreros santos de la era premongola o de la época del arte temprano de Moscú (recuerde a Boris y Gleb de la Galería Estatal Tretyakov), su postura es amanerada, sus piernas y brazos son deliberadamente débiles. , el atuendo es enfáticamente refinado. Es necesario reconocer el hecho de que los maestros de la "escuela Stroganov" fueron indudablemente nuevos en el hecho de que lograron transmitir el estado de ánimo profundamente lírico de un paisaje poético y fabuloso con follaje dorado de árboles y ríos plateados y finamente trazados (" Juan el Bautista en el desierto” de la Galería Estatal Tretyakov). Creado más bien para coleccionistas, conocedores, aficionados, el ícono de la "escuela Stroganov" permaneció en la pintura rusa de íconos como un ejemplo de alta profesionalidad, arte, sofisticación del lenguaje, pero al mismo tiempo atestiguaba la muerte gradual del monumental imagen de oración.

Cisma en la iglesia del siglo XVII adquirió cada vez más un carácter social e influyó en la vida cultural. Las disputas entre los cismáticos y la religión oficial dieron como resultado una lucha entre dos puntos de vista estéticos diferentes. Simon Ushakov (1626-1686), el pintor zarista y teórico del arte, estuvo a la cabeza del nuevo movimiento, proclamando las tareas de la pintura que condujeron, de hecho, a una ruptura con la antigua tradición rusa de pintura de iconos. Esbozó sus puntos de vista en un tratado dedicado a su amigo Joseph Vladimirov, "Palabra a la pintura de iconos inquisitivos" (1667). Ushakov introdujo su propia comprensión del propósito del ícono en la idea tradicional de la pintura de íconos, destacando, en primer lugar, su lado artístico y estético. Ushakov estaba más interesado en la relación de la pintura con la vida real, diríamos, "la relación del arte con la realidad". Para los defensores de la antigua tradición, encabezados por el arcipreste Avvakum, el arte religioso no tenía conexión con la realidad. El ícono, creían, es un objeto de adoración, todo en él, incluso el tablero mismo, es sagrado, y los rostros de los santos no pueden ser una copia de los rostros de los simples mortales.

Excelente maestro, hábil organizador, uno de los principales pintores de la Armería, Simon Ushakov fue fiel a sus conclusiones teóricas en su propia práctica. Sus temas favoritos, "El Salvador no hecho a mano" (Museo Estatal Ruso, Galería Estatal Tretyakov, Museo Estatal de Historia), "Trinidad" (Museo Estatal Ruso), muestran cómo el artista buscó deshacerse de los cánones convencionales de la pintura de iconos. que se había desarrollado en tradiciones centenarias. Consigue un tono corporal de los rostros, una regularidad casi clásica de los rasgos, una construcción volumétrica, una perspectiva acentuada (a veces utilizando directamente los fondos arquitectónicos de la pintura del Renacimiento italiano). A pesar de la similitud de composición con la Trinidad de Rublev, la Trinidad de Ushakov (1671, Museo Ruso) no tiene nada en común con ella en lo principal: carece de la espiritualidad de las imágenes de Rublev. Los ángeles parecen criaturas bastante terrenales, lo que en sí mismo no tiene sentido, una mesa con un cuenco, un símbolo del sacramento del sacrificio, la redención, se ha convertido en una verdadera naturaleza muerta.

A mediados del siglo XVII. la Armería se convirtió en el centro artístico de todo el país, encabezada por una de las personas más cultas de su tiempo, el boyardo B.M. Khitrovo. Los maestros de la Armería decoraron iglesias y cámaras, actualizaron pinturas antiguas, pintaron íconos y miniaturas, los "firmantes" (es decir, dibujantes) crearon dibujos para íconos, pancartas, bordados de iglesias y joyas. Todas las destacadas fuerzas artísticas de la Rus se reunieron aquí, los maestros extranjeros también trabajaron aquí, de aquí llegaron pedidos para la ejecución de numerosos murales, obras de caballete y monumentales en una variedad de técnicas.

Pintura al fresco del siglo XVII. con una gran reserva se puede llamar monumental. Pintaron mucho, pero diferente que antes. Las imágenes están trituradas y son difíciles de leer desde la distancia. No hay tectónica en los ciclos de frescos del siglo XVII. Los frescos cubren las paredes, pilares, arquitrabes con un patrón continuo, en el que las escenas de género se entrelazan con intrincados ornamentos. El ornamento cubre la arquitectura, las figuras de las personas, sus trajes, los fondos de paisajes surgen de los ritmos ornamentales. El decorativismo es una de las características distintivas de la pintura al fresco del siglo XVII. La segunda característica es la festividad y el interés constante por una persona en su La vida cotidiana, el énfasis en las tramas de la Sagrada Escritura en la belleza de la naturaleza, el trabajo humano, es decir, la vida en toda su diversidad. No llamamos a esta cualidad de la pintura en el siglo XVII. bytovismo, como suele sonar en las obras de arte del siglo XVII. No es un registro aburrido de las pequeñas cosas de la vida cotidiana, sino el verdadero elemento de la fiesta, la victoria constante sobre lo ordinario: así son los murales del siglo XVII. Los frescos de Yaroslavl del artel de Gury Nikitin y Sila Savin o Dmitry Grigoriev (Plekhanov) son el ejemplo más llamativo de esto. En el siglo 17 Yaroslavl, una ciudad rica en el Volga, se está convirtiendo, como ya se mencionó, en uno de los centros más interesantes no solo de una tormentosa vida social, sino también artística. Los comerciantes y los pueblerinos adinerados construyen y pintan iglesias. El maestro de la Armería, el ya mencionado Gury Nikitin, en 1679 nominado por Simon Ushakov para el título de maestro "quejado", pintó la Iglesia de Yaroslavl de Elijah the Prophet en 1681 con un gran artel, Dmitry Grigoriev-Plekhanov con su artel - la Iglesia de Juan Bautista en Tolchkovo. Los temas de las Sagradas Escrituras se convierten en cuentos fascinantes, su contenido religioso permanece, pero adquiere un matiz diferente y agudo, se pinta con los colores optimistas de la cosmovisión de la gente. Los grabados de la famosa Biblia de Piscator (Fischer), publicada en Holanda y que sirve de modelo a los maestros rusos, forman la base de muchos frescos de las iglesias de Yaroslavl, pero están sometidos a una fuerte revisión, tanto semántica como estilística. Un ejemplo bien conocido de la imagen de la cosecha en la escena de la curación del joven por el santo: con un deleite no disimulado, el pintor mural describe cómo los segadores con camisas brillantes cosechan y tejen centeno en gavillas en un campo de grano dorado. El maestro no se olvida de representar incluso acianos entre el centeno. Como señaló correctamente uno de los investigadores (V.A. Plugin), una persona en los murales del siglo XVII. rara vez aparece como un filósofo contemplativo, las personas en la pintura de esta época son muy activas, construyen, luchan, comercian, aran, andan en carruaje ya caballo; todas las escenas son bastante "llenas" y "ruidosas". Esto es típico tanto de las iglesias de Moscú (la Iglesia de la Trinidad en Nikitniki, pintada en los años 50), como de Rostov y especialmente de Yaroslavl, que dejó maravillosos monumentos de murales del siglo XVII.

Las pinturas seculares nos son más conocidas solo por el testimonio de los contemporáneos, por ejemplo, la pintura del Palacio de Kolomna, fabulosa, como su apariencia, esta es la pintura de la Cámara facetada, que nos ha llegado, realizada por Simon Ushakov. junto con el diácono Klementyev.

Finalmente, el género del retrato se convierte en un presagio del arte de la era futura. El retrato - parsuna (de la palabra distorsionada "persona", latín "persona", personalidad) - nació a finales de los siglos XVI-XVII. Imágenes de Ivan IV del Museo Nacional de Copenhague, Tsar Fyodor Ioannovich (GIM), Prince M.V. Skopin-Shuisky (TG) todavía están cerca del ícono en términos del método de implementación, pero ya tienen un cierto parecido de retrato. También hay cambios en el idioma de la imagen. Con toda la ingenuidad de la forma, la linealidad, la estática, la localidad, ya existe, aunque tímidamente, un intento de modelado en blanco y negro.

A mediados del siglo XVII. algunas parsunas fueron interpretadas por artistas extranjeros. Se cree que el retrato del patriarca Nikon con el clero pertenece al holandés Wuchters. Parsuns del mayordomo V. Lyutkin, L. Naryshkin de finales del siglo XVII. ya se pueden llamar retratos.

En los antiguos gráficos rusos de esta época, hay muchas escenas y retratos cotidianos. Por ejemplo, el famoso Evangelio del Zar Fyodor Alekseevich de 1678 contiene 1200 miniaturas. Son figuras de pescadores, campesinos, paisajes rurales. En el "Libro Titular" escrito a mano ("Libro del Gran Estado" o "La raíz de los soberanos rusos") encontramos imágenes de gobernantes rusos y extranjeros (1672–1673; TsGADA, RE, RNB). El desarrollo de la imprenta de libros contribuyó al florecimiento del grabado, primero sobre madera y luego sobre metal. El mismo Simon Ushakov participó en el grabado de The Tale of Barlaam and Joasaph, junto con el grabador de la Armería A. Trukhmensky.

El deseo de transmitir la belleza terrenal real y, al mismo tiempo, la fantasía fabulosa son característicos de todos los tipos de creatividad artística del siglo XVII. En el Palacio Terem, las paredes, las bóvedas, los pisos, las estufas de azulejos, los platos, las telas, los trajes de las personas, todo estaba cubierto con un denso adorno de hierba. Las fachadas, las molduras de las ventanas y los pórticos del Palacio Kolomna de madera estaban decorados con adornos tallados. Los iconostasios y las puertas reales de las iglesias estaban decorados con la misma talla abundante (cada vez más en altorrelieve) con dorado. El amor por los patrones ornamentales también se reflejó en la talla de piedra. El dorado de la talla, la policromía de los azulejos y el color rojo de los ladrillos creaban una imagen arquitectónica festiva y decorativa. La perfección alcanza el arte del azulejo esmaltado, la cerámica arquitectónica y decorativa. Diferentes en forma, color y diseño, los azulejos cubrían completamente las paredes con una alfombra estampada, como en el ya mencionado Krutitsky Teremka, o desempeñaban el papel de inserciones o ventanas decoradas alrededor del perímetro, como en Iglesias de Yaroslavl Juan Crisóstomo o Nikola Wet. La fabricación del azulejo recordaba la talla de madera popular de las tablas de pan de jengibre, que ha sido familiar para los rusos durante mucho tiempo, y su combinación de colores incluye bordados, estampados y estampados populares.

Cada vez más se afirma en el siglo XVII y la escultura redonda, casi completamente desconocida para épocas anteriores. El deseo de enfatizar la plasticidad, la tridimensionalidad también afectó a los productos metálicos: casullas de iconos de oro y plata cinceladas, diversas formas de utensilios, tanto eclesiásticos como seculares. El amor por los patrones multicolores provocó un nuevo florecimiento del arte de los esmaltes, en el que los artesanos de Solvychegodsk y Ustyug se hicieron especialmente famosos. En los talleres de Solvychegodsk de las "personas eminentes de los Stroganov", se está desarrollando el "negocio del esmalte de Usolsk": el esmalte de Usolsk se distingue por la pintura de adornos florales sobre un fondo claro. En las ciudades del Volga, se desarrolló el arte de la impresión: se imprime un patrón colorido en lienzo con tablas de madera tallada.

En el patrón que adorna la costura, hay un cambio obvio de la pintura al arte de la joyería: el énfasis principal está en el brillo del oro y la plata, el brillo de las piedras preciosas y las perlas. El bordado dorado alcanza una sutileza y perfección especiales en la escuela de costura de Stroganov a mediados de siglo. Las costureras de oro de la "Cámara del Taller de la Zarina" eran famosas por su costura decorativa. Pero incluso en las artes aplicadas, donde los cánones se mantuvieron durante más tiempo, se manifiesta un interés por la vida; aquí, como en la pintura, hay una clara tendencia hacia una mayor decoración, una ornamentación exuberante. Todo atestigua la victoria de nuevos gustos artísticos, una nueva visión del mundo, el inminente punto de inflexión en el cambio de dos siglos.

El gran arte ruso antiguo se formó en la conexión más estrecha con la religión. La cosmovisión cristiana ortodoxa dio lugar a formas especiales de iglesias y edificios monásticos, desarrolló un cierto sistema y técnica de pintura monumental y pintura de iconos. El pensamiento medieval dio lugar a ciertos cánones en el arte, por lo que las muestras de Ancient Rus jugaron un papel muy importante tanto en la arquitectura como en la pintura.

El antiguo arte ruso, por supuesto, se desarrolló y cambió a lo largo de más de 800 años de existencia, pero sus formas y tradiciones no murieron y desaparecieron sin dejar rastro con el advenimiento del nuevo tiempo, todavía tuvieron una larga vida, aunque en una forma modificada. forma, en el arte de los siglos posteriores.

A pesar de la especialización desarrollada, el siglo XVII de la pintura rusa se convirtió en el siglo del arte, no de la falsificación artesanal. Destacados pintores de iconos vivieron en Moscú. Fueron registrados en el departamento de la Cámara de Iconos de la Orden de Iconos.

Simvon Ushakov. Salvador no hecho por manos.

A finales del siglo XVII comenzaron a trabajar como maestros de la Iconería de la Armería. A principios del siglo XVII, Procopius Chirin logró un gran éxito. Chirin era nativo de Novgorod. Sus iconos están realizados en colores suaves, las figuras están perfiladas a lo largo del contorno con un borde dorado, encaladas con la ayuda más fina.

Otro notable pintor ruso del siglo XVII fue Nazariy Savin. Savin prefería figuras de proporciones alargadas, hombros estrechos y barbas largas. En los años 30 del siglo XVII, Savin dirigió un grupo de pintores de iconos que escribieron la fiesta deesis y los ritos proféticos para el iconostasio de la Iglesia de la Deposición de la Túnica de la Virgen y en el Kremlin de Moscú.

Iván 4 Vasilyevich el Terrible.

A mediados del siglo XVII se llevó a cabo un gran trabajo de restauración de las antiguas pinturas murales. La nueva pintura mural de la Catedral de la Asunción de Moscú, que mantuvo el esquema de la anterior, se completó en el menor tiempo posible. Ivan Panssein supervisó el trabajo. Los artistas bajo su liderazgo escribieron 249 composiciones complejas y 2066 rostros.

En el siglo XVII de la pintura rusa, se destacó un deseo especial de los artistas, el deseo de una representación realista de una persona. En Rusia, un fenómeno como la pintura secular comienza a extenderse. Los pintores seculares del siglo XVII representaron reyes, generales y boyardos. En el siglo XVII, en la cultura de Rusia, incluso en la pintura, se produjo un proceso de “secularización”. Cada vez más motivos seculares penetran en la vida de la sociedad rusa. Rusia se ha embarcado en un nuevo camino, en el umbral de una nueva era en su historia.

En pintura, las tradiciones establecidas de escritura se han conservado en gran medida. El concilio de la iglesia de 1667 reguló estrictamente los temas y las imágenes, la carta del zar Alexei Mikhailovich exigió lo mismo. Se escribieron análisis de él:

Condenó celosamente cualquier desviación de los cánones en la representación de los santos ideólogos de los Viejos Creyentes Avvakum.

Las actividades de los pintores fueron dirigidas por la Armería del Kremlin, que se convirtió en el siglo XVII. el centro artístico del país, donde se atraían los mejores maestros.

Durante 30 años, el negocio de la pintura estuvo dirigido por Simon Ushakov (1626-1686). Un rasgo característico de su trabajo fue un gran interés por la imagen del rostro humano. Bajo su mano, rostros ascéticos adquirieron rasgos vivos. Este es el icono "Salvador no hecho a mano".

Su otro trabajo es ampliamente conocido: "Plantar el árbol del Estado de toda Rusia". En el contexto de la Catedral de la Dormición, se colocan las figuras de Ivan Kalita y el metropolitano Peter, regando un gran árbol, en cuyas ramas se fijan medallones con retratos de príncipes y reyes. En el lado izquierdo de la imagen está Alexei Mikhailovich, a la derecha, su esposa con hijos. Todas las imágenes son retratos. El pincel de Ushakov también pertenece al icono "Trinidad", en el que aparecen detalles realistas. Simon Ushakov tuvo una gran influencia en el desarrollo de la pintura rusa.

Un fenómeno notable en el arte ruso del siglo XVII. se convirtió en la escuela de los maestros de Yaroslavl. La iglesia tradicional y las escenas bíblicas en sus frescos comienzan a representarse en las imágenes de la vida rusa familiar. Los milagros de los santos se desvanecen en un segundo plano ante los fenómenos ordinarios. Particularmente característica es la composición "Cosecha" en la iglesia de Elías el Profeta, así como los frescos en la iglesia de Juan Bautista. Los pintores de Yaroslavl también estuvieron entre los "pioneros" en el desarrollo del paisaje.

Otro ejemplo de un género secular que reflejaba un interés por la personalidad humana fue la difusión de la escritura "parsun": imágenes de retratos. Si en la primera mitad del siglo los "parsuns" todavía se realizaban en una tradición puramente de pintura de iconos (imágenes de Ivan IV, M. Skopin-Shuisky),

luego, en el segundo, comenzaron a adquirir un carácter más realista ("parsins" de los zares Alexei Mikhailovich, Fyodor Alekseevich, el mayordomo G.P. Godunov).

Mikhail Fedorovich, zar, el primero de la dinastía Romanov.

Parsun del último Rurikovich en la línea masculina: el hijo de Iván el Terrible.

patriarca nikon

Patriarca Nikon bajo el zar Alexei Mikhailovich.

Natalya Kirillovna Naryshkina, la segunda esposa del zar Alexei Mikhailovich y otra de sus parsuna

Narishkin.

El patriarca Nikon con los hermanos del Monasterio de la Resurrección

Retrato del mayordomo I. I. Chemodanov, década de 1690.

BG

Evdokia Lopukhina - la novia de Peter Alekseevich

Retrato del mayordomo F. ​​I. Verigin, década de 1690.

Retrato de grupo de los participantes de la embajada rusa en Inglaterra, 1662.

Marfa Vasilievna Sobakina

Wedekind Johann. Retrato del Zar Mikhail Fedorovich.

En el siglo 17 comienza la formación del mercado de toda Rusia. Con el desarrollo de la artesanía y el comercio, están conectados el crecimiento de las ciudades, la penetración en la cultura rusa y la difusión generalizada de elementos seculares. Este proceso se denominó en la literatura "secularización" de la cultura (de la palabra "mundano" - secular).

Las principales tendencias en la cultura del siglo XVII.

La iglesia se opuso a la secularización de la cultura rusa, que vio en ella una influencia occidental, "latina". Los gobernantes de Moscú del siglo XVII, buscando limitar la influencia de Occidente en la persona de los extranjeros que llegaban a Moscú, los obligaron a establecerse lejos de los moscovitas, en el asentamiento alemán especialmente designado para ellos (ahora el área de calle Baumanskaya). Sin embargo, nuevas ideas y costumbres penetraron en la vida establecida de Moscovita Rus. El país necesitaba personas educadas y con conocimientos que pudieran participar en la diplomacia, comprender las innovaciones de los asuntos militares, la tecnología, la fabricación, etc. La reunificación de Ucrania con Rusia contribuyó a la expansión de los lazos políticos y culturales con los países de Europa occidental.

En la segunda mitad del siglo XVII. se establecieron varias escuelas públicas. Había una escuela para la formación de empleados para las instituciones centrales, para la Imprenta, la Orden Farmacéutica, etc. La imprenta hizo posible la publicación de libros de texto uniformes para la enseñanza de la alfabetización y la aritmética en circulación masiva. El interés del pueblo ruso por la alfabetización se evidencia en la venta en Moscú (1651) durante un día de la Cartilla de VF Burtsev, publicada en 2.400 ejemplares. Se publicaron la "Gramática" de Meletius Smotrytsky (1648) y la tabla de multiplicar (1682).

En 1687, se fundó la primera institución de educación superior en Moscú: la Academia Eslava-Griega-Latina, donde se enseñaba "desde gramática, retórica, piitika, dialéctica, filosofía ... hasta teología". La Academia estaba encabezada por los hermanos Sofrony e Ioanniky Likhud, científicos griegos graduados en la Universidad de Padua (Italia). Aquí se formaban sacerdotes y funcionarios. MV Lomonosov también estudió en esta academia.

En el siglo XVII, como antes, hubo un proceso de acumulación de conocimientos. Se lograron grandes éxitos en el campo de la medicina, en la resolución de problemas prácticos de matemáticas (muchos pudieron medir áreas, distancias, cuerpos sueltos, etc. con gran precisión), en la observación de la naturaleza.

Los exploradores rusos hicieron una contribución significativa al desarrollo del conocimiento geográfico. En 1648, la expedición de Semyon Dezhnev (80 años antes que Vitus Bering) alcanzó el estrecho entre Asia y América del norte. El punto más oriental de nuestro país ahora lleva el nombre de Dezhnev. E. P. Khabarov en 1649 compiló un mapa y estudió las tierras a lo largo del Amur, donde se fundaron los asentamientos rusos. La ciudad de Khabarovsk y el pueblo de Erofey Pavlovich llevan su nombre. A finales del siglo XVII. El cosaco siberiano VV Atlasov exploró Kamchatka y las islas Kuriles.

Literatura

En el siglo 17 se crearon las últimas composiciones analísticas oficiales. The New Chronicler (años 30) relató los acontecimientos desde la muerte de Iván el Terrible hasta el final de la Era de los Trastornos. Demostró los derechos de la nueva dinastía Romanov al trono real.

El lugar central en la literatura histórica lo ocuparon las novelas históricas, que tenían un carácter periodístico. Por ejemplo, un grupo de tales historias ("The Time of the Deacon Ivan Timofeev", "The Tale of Avraamy Palitsyn", "Another Tale", etc.) fue una respuesta a los eventos de Time of Trouble a principios de el siglo XVII.

La penetración de los principios seculares en la literatura está asociada con la aparición en el siglo XVII. un género de cuento satírico, donde actúan personajes ya ficticios. El "Servicio a la taberna", "El cuento del pollo y el zorro", "Petición de Kalyazinsky" contenía una parodia de servicio de iglesia, la glotonería y la embriaguez de los monjes fueron ridiculizados, en el "Cuento de Ersh Ershovich" - burocracia judicial y soborno. Los nuevos géneros fueron las memorias ("La vida del arcipreste Avvakum") y las letras de amor (Simeón de Polotsk).

La reunificación de Ucrania con Rusia impulsó la creación de la primera obra impresa rusa sobre historia. El monje de Kiev Innocent Gizel compiló una "Sinopsis" (revisión), que en forma popular contenía una historia sobre la historia conjunta de Ucrania y Rusia, que comenzó desde el momento de la formación. Rus de Kiev. En el XVII - la primera mitad del siglo XVIII. "Sinopsis" se utilizó como libro de texto de historia rusa.

Teatro

Se creó un teatro de la corte en Moscú (1672), que duró solo cuatro años. Contó con actores alemanes. Los roles masculino y femenino fueron interpretados por hombres. El repertorio del teatro incluía obras basadas en temas bíblicos y legendario-históricos. El teatro de la corte no dejó ningún rastro perceptible en la cultura rusa.

En las ciudades y pueblos rusos, desde la época de Kievan Rus, se ha generalizado un teatro errante: el teatro de bufones y Petrushka (el personaje principal de los espectáculos de títeres populares). Las autoridades gubernamentales y eclesiásticas persiguieron la bufonería por su humor alegre y atrevido, denunciando los vicios de los que estaban en el poder.

Arquitectura

Edificios arquitectónicos del siglo XVII. son de gran belleza. Son asimétricos tanto dentro de un solo edificio como en un conjunto. Sin embargo, en este aparente desorden de los volúmenes arquitectónicos hay tanto integridad como unidad. Edificios del siglo XVII. multicolor, decorativo. A los arquitectos les gustaba especialmente decorar las ventanas de los edificios con plataformas intrincadas, diferentes entre sí. Generalizado en el siglo XVII. recibió "azulejos solares" multicolores: azulejos y decoraciones hechas de piedra tallada y ladrillo. Tal abundancia de decoraciones ubicadas en las paredes de un edificio se denominó patrón de piedra, patrón maravilloso.

Estas características están bien trazadas en el Palacio Terem del Zar Alexei Mikhailovich en el Kremlin, en las cámaras de piedra de los boyardos de Moscú, Pskov, Kostroma del siglo XVII que han llegado hasta nosotros, en el Monasterio de la Nueva Jerusalén, construido cerca de Moscú por Patriarca Nikon. Los famosos templos de Yaroslavl están cerca de ellos en estilo: la iglesia de Elijah the Prophet y los conjuntos en Korovniki y Tolchkovo. Como ejemplo de los edificios más famosos de Moscú del siglo XVII. puede nombrar la Iglesia de San Nicolás en Khamovniki (cerca de la estación de metro Park Kultury), la Iglesia de la Natividad de la Virgen en Putinki (no lejos de la Plaza Pushkinskaya), la Iglesia de la Trinidad en Nikitniki (cerca del metro Kitai-Gorod estación).

El inicio decorativo, que marcó la secularización del arte, se reflejó también en la construcción o reconstrucción de fortificaciones. A mediados de siglo, las fortalezas habían perdido su importancia militar y los techos a cuatro aguas, primero en Spasskaya y luego en otras torres del Kremlin de Moscú, dieron paso a magníficas tiendas que enfatizaban la grandeza tranquila y el poder solemne del corazón de Moscú. la capital rusa.

En Rostov el Grande, en forma de Kremlin, se construyó la residencia del deshonrado pero poderoso metropolitano Jonah. Este Kremlin no era una fortaleza y sus paredes eran puramente decorativas. Las paredes de los grandes monasterios rusos erigidos después de la intervención polaco-lituana-sueca (Monasterio Trinity-Sergius, Monasterio Spaso-Efimiev en Suzdal, Monasterio Kirillo-Belozersky cerca de Vologda, monasterios de Moscú), siguiendo la moda general, también fueron decoradas con detalles decorativos. .

El desarrollo de la antigua arquitectura de piedra rusa terminó con el plegado del estilo, que se llamó Naryshkin (por los nombres de los principales clientes) o barroco de Moscú. Las iglesias de la puerta, el refectorio y el campanario del Convento Novodevichy, la Iglesia de la Intercesión en Fili, las iglesias y los palacios en Sergiev Posad, Nizhny Novgorod, Zvenigorod y otros fueron construidos en este estilo.

El barroco de Moscú se caracteriza por una combinación de colores rojo y blanco en la decoración de los edificios. El número de pisos de los edificios, el uso de columnas, capiteles, etc. como ornamentos decorativos están claramente trazados. por maestros italianos al decorar la Catedral del Arcángel del Kremlin de Moscú. La aparición del barroco moscovita, que había características comunes con la arquitectura de Occidente, testificó que la arquitectura rusa, a pesar de su originalidad, se desarrolló en el marco de una cultura europea común.

En el siglo XVII floreció la arquitectura de madera. "La octava maravilla del mundo" fue llamado por los contemporáneos el famoso palacio de Alexei Mikhailovich en el pueblo de Kolomenskoye, cerca de Moscú. Este palacio tenía 270 habitaciones y alrededor de 3 mil ventanas y ventanas. Fue construido por los artesanos rusos Semyon Petrov e Ivan Mikhailov y existió hasta mediados del siglo XVIII, cuando fue desmantelado bajo Catalina II debido al deterioro.

Cuadro

La secularización del arte se manifestó con particular fuerza en la pintura rusa. El artista más grande del siglo XVII fue Simon Ushakov. En su conocido icono "El Salvador no hecho a mano", son claramente visibles nuevas características realistas de la pintura: tridimensionalidad en la representación del rostro, elementos de perspectiva directa.

La tendencia hacia una representación realista de una persona y la secularización de la pintura de iconos, característica de la escuela de S. Ushakov, está estrechamente relacionada con la difusión en Rusia del retrato: una parsuna (persona), que representa personajes reales, por ejemplo, el zar. Fyodor Ivanovich, M. V. Skopin-Shuisky y otros Sin embargo, la técnica de los artistas todavía era similar a la pintura de íconos, es decir, escribieron en tableros con pinturas de huevo. A finales del siglo XVII. aparecieron las primeras parsunas, pintadas al óleo sobre lienzo, anticipando el apogeo del arte del retrato ruso en el siglo XVIII.

Conclusiones sobre la cultura del siglo XVII.

En la historia del arte ruso, el siglo XVII fue un período de lucha entre dos escuelas de pintura y la formación de nuevos géneros. Iglesia Ortodoxa todavía tenía un gran impacto en la vida cultural humana. Los artistas también experimentaron algunas restricciones en sus actividades.

pintura de iconos

Durante la Baja Edad Media, el centro de concentración en Rusia de artistas y artesanos fue el Kremlin, o más bien la Armería. Allí trabajaron los mejores maestros de la arquitectura, la pintura y otras formas de creatividad.

A pesar del rápido desarrollo del arte en toda Europa, la pintura en Rusia en el siglo XVII tenía un solo género: la pintura de iconos. Los artistas se vieron obligados a crear bajo la atenta supervisión de la iglesia, que se opuso firmemente a cualquier innovación. La pintura rusa de iconos se formó bajo la influencia de las tradiciones pictóricas de Bizancio y en ese momento tenía claramente formados cánones.

La pintura, como la cultura en Rusia en el siglo XVII, era bastante autónoma y se desarrolló muy lentamente. Sin embargo, un evento condujo a una reforma completa del género de la pintura de iconos. En un incendio en 1547 en Moscú, se quemaron muchos íconos antiguos. Era necesario restaurar lo perdido. Y en el proceso, el principal escollo fue la disputa sobre la naturaleza de los rostros de los santos. Las opiniones estaban divididas, los seguidores de las antiguas tradiciones creían que las imágenes debían seguir siendo simbólicas. Mientras que los artistas de visiones más modernas estaban a favor de dar más realismo a los santos y mártires.

Dividido en dos escuelas

Como resultado, la pintura en Rusia en el siglo XVII se dividió en dos campos. El primero incluyó representantes de la escuela "Godunov" (en nombre de Boris Godunov). Intentaron revivir las tradiciones de pintura de iconos de Andrei Rublev y otros maestros medievales.

Estos maestros trabajaban por encargo de la corte real y representaban el lado oficial del arte. Los rasgos característicos de esta escuela fueron los rostros canónicos de los santos, imágenes simplificadas de una multitud de personas en forma de muchas cabezas, tonos dorados, rojos y azul verdosos. Al mismo tiempo, se pueden notar los intentos de los artistas por transmitir la materialidad de algunos objetos. La escuela Godunov es mejor conocida por sus pinturas murales en las cámaras del Kremlin, en la Catedral Smolensky, la Catedral de la Trinidad.

La escuela opuesta fue "Stroganov". El nombre está asociado con los comerciantes Stroganovs, para quienes se hicieron la mayoría de los pedidos y quienes actuaron como "patrocinadores" en el desarrollo de la pintura en Rusia en el siglo XVII. Fue gracias a los maestros de esta escuela que comenzó el rápido desarrollo del arte. Fueron los primeros en hacer íconos en miniatura para las oraciones en el hogar. Esto contribuyó a su difusión entre los ciudadanos comunes.

Los maestros de Stroganov fueron cada vez más más allá de los cánones de la iglesia y comenzaron a prestar atención a los detalles del entorno, apariencia santos Y así el paisaje comenzó a desarrollarse lentamente. Sus iconos eran coloridos y decorativos, y la interpretación de los personajes bíblicos se acercaba más a las imágenes de personas reales. Las obras más famosas que se conservan son los íconos "Nikita the Warrior", "John the Baptist".

frescos de yaroslavl

Un monumento único en la historia de la pintura del siglo XVII en Rusia son los frescos de la Iglesia del Profeta Elías en Yaroslavl, en los que trabajaron los artistas de la Armería. Una característica de estos frescos son escenas de vida real que prevalecen sobre las historias bíblicas. Por ejemplo, en la escena de la curación, la imagen de los campesinos durante la cosecha ocupa la parte principal de la composición. Fue la primera imagen monumental del género doméstico.

Entre estos frescos se pueden encontrar escenas fabulosas y mitológicas. Sorprenden con sus colores brillantes y su compleja arquitectura.

Simón Ushakov

Personas significativas aparecen en cada etapa del desarrollo cultural del país. La persona que promovió la pintura en Rusia en el siglo XVII en una nueva dirección y contribuyó a su liberación parcial de la ideología religiosa fue Simon Ushakov.

No solo fue un pintor de la corte, sino también un científico, un maestro, un teólogo, un hombre de amplios puntos de vista. Simon estaba fascinado por el arte occidental. En particular, estaba interesado en la representación realista del rostro humano. Esto se ve claramente en su obra "El Salvador no hecho por manos".

Ushakov fue un innovador. Fue el primer artista ruso en utilizar pintura al óleo. Gracias a él comenzó a desarrollarse el arte del grabado sobre cobre. Siendo el artista principal de la Armería durante treinta años, escribió muchos iconos, grabados y varios tratados. Entre ellos se encuentra "Una palabra para el amante de la pintura de iconos", en la que expresó sus pensamientos de que el artista debe, como un espejo, reflejar con veracidad el mundo que lo rodea. Siguió esto en sus escritos y lo enseñó a sus alumnos. En sus notas hay referencias a un atlas anatómico, que quiso escribir e ilustrar con grabados. Pero, al parecer, no se publicó o no se conservó. El principal mérito del maestro es que sentó las bases para el retrato del siglo XVII en Rusia.

Parsuna

Después de importantes transformaciones en la pintura de iconos, el género del retrato comenzó a tomar forma. Al principio, se realizó en el estilo de pintura de iconos y se llamó "parsuna" (del latín - persona, personalidad). Los artistas están trabajando cada vez más con la naturaleza viva, y los párrocos se están volviendo más realistas, las caras en ellos están ganando volumen.

Los retratos de Boris Godunov, los zares Alexei Mikhailovich, Fyodor Alekseevich, las zarinas Evdokia Lopukhina, Praskovya Saltykova se pintaron en este estilo.

Se sabe que en la corte también trabajaron artistas extranjeros. También contribuyeron en gran medida a la evolución de la pintura rusa.

gráficos de libros

La imprenta también llegó bastante tarde a tierras rusas. Sin embargo, en paralelo con su desarrollo, los grabados, que se utilizaron como ilustraciones, también ganaron popularidad. Las imágenes eran tanto de carácter religioso como doméstico. El libro en miniatura de ese período se distingue por una ornamentación compleja, letras decorativas y también se encuentran imágenes de retratos. Los maestros de la escuela Stroganov hicieron una gran contribución al desarrollo de las miniaturas de libros.

La pintura en Rusia en el siglo XVII pasó de ser muy espiritual a ser más secular y cercana a la gente. A pesar de la oposición de los líderes de la iglesia, los artistas defendieron su derecho a crear en el género del realismo.